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第960章 电影诞生于剪辑室（第4页）

他一边说，小白一边在旁边的笔记本上飞快记录要点。周申和刘露听得眼睛发亮，连连点头。杨简说的这些，他们隐约有感觉，但不知道具体该怎么实现。

“再比如，”杨简又跳到影片中段，特派员第一次来视察，众人手忙脚乱演饰的那场戏，“这是全片第一个大的危机和笑点爆发段落。现在的剪辑，虽然也有混乱感，但更多的是依靠演员夸张的表演和台词。剪辑上没有把这种‘混乱’和‘错位’做到极致。”

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“这场戏，空间是固定的（学校内外），但人物行动线多（应付特派员、藏东西、找铜匠冒充等等）。剪辑应该打破常规的空间连续性，制造一种‘间离’和‘错乱’感。可以用快速摇镜、跟拍、不匹配剪辑（比如人物从这个门跑进去，下一个镜头却从另一个地方出现）、插入一些看似无关但增加荒诞感的空镜头（比如一头雾水的驴的特写，或者墙上剥落的标语）……声音上，可以让人物的对话、环境音、夸张的音效（比如心跳声、警报声的变调）混杂在一起，形成一种声音的‘蒙太奇’。目的不是让观众看不懂，而是让观众感受到那种濒临崩溃的、手忙脚乱的荒诞氛围。现在的剪辑，太‘规矩’了，削弱了这场戏应有的冲击力。”

沈藤和马莉作为演员，听到这里也深有感触，不过他们并没有插话。

周申接过话茬道：“杨导说得太对了！当时拍这场戏的时候，我和刘露就觉得特别‘飞’，各种状况，但剪出来看，好像平了不少。”

杨简点点头：“这就是剪辑的责任——把拍摄时的‘感觉’通过镜头组合，强化并传递给观众。”

他继续分析：“第二个大问题，是情绪曲线的构建和重点场次的突出。”

“《驴得水》是个悲剧内核的黑色幽默故事，它的情绪不是直线上升或下降的，而是波浪式的，在荒诞搞笑中突然插入尖锐的悲凉，再迅速被更荒诞的情节覆盖，但底色的悲哀越来越浓。初剪版对情绪曲线的把握还不够精准，有些该让观众笑的地方没笑到位，这就是剪辑节奏没跟上，有些该让观众心里一沉的地方，铺垫和渲染不足，转折显得有点生硬。”

杨举例说明，比如张一曼“睡服”铜匠的那场戏，以及随后事情败露，众人为了自保开始互相攻击、尤其是张一曼被辱骂、剪头发的那场重头戏。

“张一曼这个角色，是全片最复杂也最悲剧的人物。她前后的命运对比，是影片批判力量的重要来源。初剪版对于她高光时刻——‘睡服’铜匠，带有一种天真的、不计后果的‘自由’，以及坠落时刻——被剪发，精神崩溃的剪辑，还可以更极致。”

“‘睡服’那场戏，现在的剪辑有点……暧昧不明，甚至有点刻意避讳。但这场戏恰恰需要一种大胆又微妙的处理。镜头可以更主观，更贴近张一曼的视角和情绪，用柔光、慢动作、特写，比如她散开的头发、铜匠粗糙的手与她的手的对比、窗外朦胧的月光，配合一段有点梦幻甚至凄美的音乐，营造出一种短暂脱离现实枷锁的、带有悲剧预感的‘浪漫’。这和她后来的遭遇形成残酷对比。”

“而被剪发那场戏，”杨简的语气严肃起来，“这是全片情绪的最低点，是人性的彻底沦丧。现在的剪辑，给了演员表演空间，但镜头语言和剪辑节奏上，冲击力还不够残忍。这场戏不应该让观众‘看戏’，而应该让观众感到‘窒息’。可以考虑多用特写——剪刀的特写、头发断裂的特写、张一曼空洞眼神的特写、周围人狰狞或麻木面孔的特写。剪辑节奏可以从开始的缓慢、压抑，随着剪发动作的进行，逐渐加快，配合越来越刺耳的声音——剪刀声、喘息声、无声的啜泣或者一段扭曲变形的音乐，最后在一个极度痛苦的表情或象征性镜头——比如一地断发上定格，或者黑场。要让观众感受到那种冰冷的、无法挽回的摧毁。”

周申和刘露听得手心出汗，但内心无比激动。杨简指出的，正是他们觉得片子“差点意思”却又说不清道不明的地方。经他一点拨，仿佛迷雾被拨开，看到了清晰的路径。

“第三个问题，是电影语言的统一性和一些技术细节。”杨简继续道，“影片整体是偏写实略带荒诞的风格，但有些段落的剪辑手法、色调、甚至配乐风格，还不够统一，偶尔会跳戏。比如一些闪回或幻想的段落，处理得可以更风格化一些，与主线叙事形成更鲜明的对比或呼应。”

“另外，有些转场生硬，就是简单的黑场或淡入淡出。可以设计一些更有巧思的转场，利用画面内的相似物、动作、声音来进行无缝衔接，这样影片的整体流畅度和精巧感会提升很多。比如，从张一曼哼唱的歌声，转场到空荡山谷的回响；从滚落的铜铃，转场到特派员的汽车轮子……这些都能加强影片的隐喻和整体性。”

杨简说到这里，停下来喝了口茶，给众人消化吸收的时间。书房里一片寂静，只有众人笔尖划过纸面的沙沙声和偶尔的深呼吸。